Jose dice, "Amigas y amigos les invito cordialmente a esta exposición, si bien el espacio no es muy grande voy a poder poner una serie de obras pequeñas, de la temática en su mayoría de animales en poses humanas, un abrazo ...".
Evento: ANIMALADAS. Exposición de José Alejandro Herrera, inauguración
Fecha y hora de inicio: El Lunes, 17 de mayo a las 20:00
Finalización: El Sábado, 12 de junio a las 21:00
Lugar: Café Mal País, frente a Muñoz y Nanne
jueves, 13 de mayo de 2010
E·CO 2010
ENCUENTRO DE COLECTIVOS FOTOGRÁFICOS EUROAMERICANOS
Un proyecto organizado por el Ministerio de Culltura que pretende mostrar la relevancia del fenómeno de los colectivos fotográficos, confrontando el trabajo de las principales agrupaciones latinoamericanas y europeas, a través de la presentación de sus proyectos.
El Encuentro, que se celebrará a partir de hoy y hasta el día 15 en Madrid y del 16 al 19 en Soria, se enmarca dentro de la Presidencia española de la Unión Europea y coincide con el Bicentenario de la Independencia de varios países latinoamericanos.
Es la primera vez que en España se reúne a 20 colectivos procedentes de Alemania (Ostkreuz), Argentina (Sub.Coop), Brasil (Cía de Foto y Garapa), Costa Rica (Colectivo Nómada), Francia (Odessa, Tendance Floue y Transit), Italia (Terra Project), México (Mondaphoto), Perú (Supay Fotos y Versus-Photo), Portugal (KameraPhoto), Reino Unido (Documentography), Venezuela (ONG) y España (Blank Paper, NoPhoto, Pandora y Ruido Photo), además de un colectivo multinacional que representa a fotógrafos de Europa del Este (Est&Ost).
www.fotoeco.es
http://www.mcu.es/novedades/2010/novedades_ECO.html
ENCUENTRO DE COLECTIVOS FOTOGRÁFICOS EUROAMERICANOS
Un proyecto organizado por el Ministerio de Culltura que pretende mostrar la relevancia del fenómeno de los colectivos fotográficos, confrontando el trabajo de las principales agrupaciones latinoamericanas y europeas, a través de la presentación de sus proyectos.
El Encuentro, que se celebrará a partir de hoy y hasta el día 15 en Madrid y del 16 al 19 en Soria, se enmarca dentro de la Presidencia española de la Unión Europea y coincide con el Bicentenario de la Independencia de varios países latinoamericanos.
Es la primera vez que en España se reúne a 20 colectivos procedentes de Alemania (Ostkreuz), Argentina (Sub.Coop), Brasil (Cía de Foto y Garapa), Costa Rica (Colectivo Nómada), Francia (Odessa, Tendance Floue y Transit), Italia (Terra Project), México (Mondaphoto), Perú (Supay Fotos y Versus-Photo), Portugal (KameraPhoto), Reino Unido (Documentography), Venezuela (ONG) y España (Blank Paper, NoPhoto, Pandora y Ruido Photo), además de un colectivo multinacional que representa a fotógrafos de Europa del Este (Est&Ost).
www.fotoeco.es
http://www.mcu.es/novedades/2010/novedades_ECO.html
Artista Emergente: American Idol
PabloHelgueraFrCover.jpgSe acerca la temporada expositiva, y para cubrir las nuevas plazas del arte emergente que ya ha quedado desgastado, se hace uso del sistema de la convocatoria mediante un dossier realizado, generalmente, con Indesing.
No hace falta decir que el método de la convocatoria para el arte joven en forma de dossier, es mas que nefasto. Primero porque todos hemos aprendido a vendernos, ya que somos una generación educada mediante la publicidad, y hemos aprendido trucos para hacernos valer. Segundo, porque la salud del arte actual proviene del moldear ceniceros para los padres en la asignatura de educación artística. Tercero porque los statements de las obras presentadas, contienen palabras como “proyecto” o “investigación”, tan solo con la finalidad de profesionalizar un trabajo. Cuarto porque las facultades de un grupo de personas a la que denominamos jurado, son dudosas, y éste solo sirve como filtro para trazar la línea artística de una generación (anterior a la que se presenta), interesada tan solo por unos aspectos culturales. Y quinto porque la idea sobre la existencia de una pieza legitimada por el espacio artístico, a la que los concursantes acceden, no acaba de convencerme…
No obstante, el motivo de este texto no es una revisión del sistema de la convocatoria para ponerlo en cuestión. Esta es la excusa para intentar responder a la pregunta sobre el nacimiento de una obra. ¿Cuando empieza una obra? ¿cuando se expone? ¿cuando tomamos conciencia de ella?
La respuesta no puede ser clara ni concisa, porque no hay solo una… Solo podemos acercarnos a una idea concreta bajo el prisma de la mirada entorno a un personaje que observa un trabajo. Si la obra es vista desde el ojo del espectador, una obra empieza a serlo, desde el primer momento en que se sabe que existe. Desde el punto de vista del curador, el trabajo artístico empieza a serlo en el momento en que la obra es visualizada desde una mirada interesante. Y desde el punto de vista del artista (y es aquí donde quiero centrarme), desde el primer momento en que acepta que un trabajo puede ser expositivo. Esta última afirmación desde el artista, viene dada por un imaginario desarrollado durante sus visitas a exposiciones, en que ha adquirido ideas para sus nuevos trabajos, por los que ha sentido un interés. A este interés se le suma el aditivo del reconocimiento social en un grupo de jóvenes artistas que a menudo se comportan como en una teleserie de EUA, donde los populares se burlan de los nerds… En resumen, una obra empieza a ser obra desde el primer momento en que el artista toma conciencia de la necesidad de exhibir su trabajo para que su obra y él mismo, empiecen a existir. Una obra se considera obra desde que cruza el umbral de una sala de exposiciones. Un artista empieza a serlo, desde el momento en que su obra es catalogada como trabajo artístico, antes era un personaje haciendo algo parecido a las manualidades…
Y con la toma de conciencia de esta afirmación, han nacido espacios expositivos que por un módico precio, convierten a artistas emergentes en “profesionales”…o eso les hacen creer. Son espacios a los que un artista tiene un lugar en una exposición colectiva unas dos semanas por 50 euros. Este dinero es cobrado con la excusa de los gastos de alquiler del espacio expositivo. Los artistas que acceden al pago, normalmente se ocultan bajo la idea de que exponer la obra pagando es lo mejor que pueden hacer, ya que es complicado encontrar espacios que acepten artistas jóvenes de forma gratuita. Sin embargo, ahí detrás se oculta un velo vanidoso: quiero ser artista a toda costa, aunque tenga que pagar para serlo.
Pero también he de reconocer la valentía de esas personas auto-patrocinadas, porque ya sea pagando o cobrando, abren una fisura en el concepto “dependencia” hacia la institución para que un creador sea exhibido, así como en eliminar la necesidad del curador para construir una “buena” lectura de las pieza.
Los artistas que por varias razones (quiero pensar que normalmente son éticas, y no por la tipología de público que visita estos espacios auto-patrocinados), desean exponer en otros lugares gratuitos o subvencionados con dinero público, intentan acceder a los espacios de exhibición mediante el formato de la convocatoria. Como ya he dicho, el jurado legitimador (y a menudo todopoderoso), pertenece a una generación anterior, y son los que deciden cual es el proyecto u obra que es digna de exponerse. La elección no debe ser fácil, muchos artistas pretenden empezar a existir como tales mediante los Centros Cívicos, y si observamos en un gráfico el índice de participación a las convocatorias de los Centros mas populares en Barcelona (Can Felipa, Sant Andreu y Sala d’art Jove), desde el año 2006, han aumentado considerablemente. ¿A que se debe este fenómeno si estos Centros parecen ser un American Idol en versión artística?. Y cuando me refiero a que estos concursos y exposiciones de amateurs (paradoja por donde se vea, ya que amateur significa “hacer algo porque se ama”, o sea, sin esperar nada a cambio), me refiero a obras que en muchos sentidos son cuestionables. Pero aquí hay varios temas que se fusionan.
El primero es el de la inmodestia por parte de los artistas en dejarse ver en un Centro público muy popular entre la gente joven. Inmodestia porque el Centro no es mas que un escaparate, no patrocina a nadie, simplemente les da visibilidad durante un tiempo. No les mueve la obra a otros espacios, solo “usan” al artista para rellenar su agenda cultural. ¿Entonces, porque tanta gente participa en estas convocatorias si no hay nada a cambio?. Algún erudito diría que desde hace un par de años se paga a los artistas por mostrar su trabajo, y aunque sea poco, algo es algo. Sin embargo, la cuestión de presentarse a una convocatoria de un Centro cívico se acerca mas a una cuestión social que a una cuestión económica. Si lo miramos desde el prisma del dinero, una persona que, por ejemplo, hace de camarero el fin de semana, gana 3 veces mas dinero en un día que un artista. Por tanto el tema no es meramente mercantil, la exposición en un centro de reconocimiento popular se acerca mas a una ilusión de ser artista famoso, que al de ganar dinero con el trabajo de artista.
El segundo tema va anclado a la reacción posterior en ver a los espectadores mirar un trabajo. Lo gratificante y reconfortante de ver a alguien que se interesa por lo que haces, parece ser la llamada de la codicia a continuar realizando un trabajo que seguirá presentándose a otras convocatorias de la misma “calaña”. El artista David Hammons lo expresó muy bien con estas palabras: “En esta situación lo que ocurre es que te tienta el diablo. Te enseñan todo lo que podrías tener. Lo único que hay que hacer es entregar tu alma. Yo me encontré sumido en esa agonía”. La frase de Hammonds describe perfectamente que es lo que quiero explicar. Llevado al terreno popular del éxito localista de Barcelona, un artista exhibiendo su obra en cualquiera de los tres Centros mencionados, será el chico o chica mas popular de la fiesta. Después se irá de cañas a un bar de carajilleros con otros artistas y comisarios, y empezará a sentirse popular, y con esta sensación tan reconfortante se creerá mas que nunca su trabajo. El artista emergente sigue en un áurea post adolescente que no debemos olvidar.
El tercer tema va unido al fenómeno de la popularización y estandarización del arte por una generación que tiene mal asumido el carácter juicioso de la creación. Podría poner muchos ejemplos, pero que vale la pena, porque día tras día podemos observar desde la crítica prudente, muchas obras y actitudes de artistas que verifican esta afirmación. Cuando en una clase de licenciados en Bellas artes realizando un master, ves que un proyecto sale de una noche en un bar, que un alumno intenta venderte un trabajo ya realizado que ni siquiera puede explicar, cuando ves trabajos que se saben que han sido bien asumidos por la comunidad artística y que alguien rehacer el resultado final con la expectativa de que va a ser asumido de la misma manera, o que alguien intenta hacernos creer que un folio lleno de rallas ha sido cautamente rellenado durante una jornada laboral, intuyes que algo va mal…
¿Esta en buena salud nuestro arte emergente?
Mi respuesta es NO, y con mayúsculas.
¿Entonces a que se debe la proliferación de artistas en las convocatorias de carácter público en solo tres Centros de la ciudad condal? Fama, glamour y satisfacción personal. Solo eso.
No olvidemos que el formato de American Idol ha calado muy fuerte en nuestras generaciones de jóvenes que aspiran a una gloria para obtener una autosatisfacción personal importante. Si con la postmodernidad hemos entendido que el mundo está lleno de baches que hemos de esquivar, si hemos asumido que siempre nos pondrán palos en las ruedas, pero que nosotros florecemos tarde o temprano. Cuando un concurso de arte emergente se transforma en una gala de los Óscar ¿que esperamos?. Este es el precio que estamos pagando por haber llegado a una información que ha sido filtrada y que solo hemos retenido la última idea. Hemos entendido que Hirst ha llegado alto, pero parece ser que no hemos entendido porque. Todo artista joven de la generación de los 80’ ha entendido el sistema actual de como triunfar: publicidad, marketing, actitud, una obra ingeniosa y muchas teleseries nos han dado las pistas. Solo hemos de trasladarlo a nuestra vida, y ya podemos empezar a presentarnos a las convocatorias para creernos nuestra obra y existir como artistas a través de ella.
Daniel Gasol
publicado pro salonKritik
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PabloHelgueraFrCover.jpgSe acerca la temporada expositiva, y para cubrir las nuevas plazas del arte emergente que ya ha quedado desgastado, se hace uso del sistema de la convocatoria mediante un dossier realizado, generalmente, con Indesing.
No hace falta decir que el método de la convocatoria para el arte joven en forma de dossier, es mas que nefasto. Primero porque todos hemos aprendido a vendernos, ya que somos una generación educada mediante la publicidad, y hemos aprendido trucos para hacernos valer. Segundo, porque la salud del arte actual proviene del moldear ceniceros para los padres en la asignatura de educación artística. Tercero porque los statements de las obras presentadas, contienen palabras como “proyecto” o “investigación”, tan solo con la finalidad de profesionalizar un trabajo. Cuarto porque las facultades de un grupo de personas a la que denominamos jurado, son dudosas, y éste solo sirve como filtro para trazar la línea artística de una generación (anterior a la que se presenta), interesada tan solo por unos aspectos culturales. Y quinto porque la idea sobre la existencia de una pieza legitimada por el espacio artístico, a la que los concursantes acceden, no acaba de convencerme…
No obstante, el motivo de este texto no es una revisión del sistema de la convocatoria para ponerlo en cuestión. Esta es la excusa para intentar responder a la pregunta sobre el nacimiento de una obra. ¿Cuando empieza una obra? ¿cuando se expone? ¿cuando tomamos conciencia de ella?
La respuesta no puede ser clara ni concisa, porque no hay solo una… Solo podemos acercarnos a una idea concreta bajo el prisma de la mirada entorno a un personaje que observa un trabajo. Si la obra es vista desde el ojo del espectador, una obra empieza a serlo, desde el primer momento en que se sabe que existe. Desde el punto de vista del curador, el trabajo artístico empieza a serlo en el momento en que la obra es visualizada desde una mirada interesante. Y desde el punto de vista del artista (y es aquí donde quiero centrarme), desde el primer momento en que acepta que un trabajo puede ser expositivo. Esta última afirmación desde el artista, viene dada por un imaginario desarrollado durante sus visitas a exposiciones, en que ha adquirido ideas para sus nuevos trabajos, por los que ha sentido un interés. A este interés se le suma el aditivo del reconocimiento social en un grupo de jóvenes artistas que a menudo se comportan como en una teleserie de EUA, donde los populares se burlan de los nerds… En resumen, una obra empieza a ser obra desde el primer momento en que el artista toma conciencia de la necesidad de exhibir su trabajo para que su obra y él mismo, empiecen a existir. Una obra se considera obra desde que cruza el umbral de una sala de exposiciones. Un artista empieza a serlo, desde el momento en que su obra es catalogada como trabajo artístico, antes era un personaje haciendo algo parecido a las manualidades…
Y con la toma de conciencia de esta afirmación, han nacido espacios expositivos que por un módico precio, convierten a artistas emergentes en “profesionales”…o eso les hacen creer. Son espacios a los que un artista tiene un lugar en una exposición colectiva unas dos semanas por 50 euros. Este dinero es cobrado con la excusa de los gastos de alquiler del espacio expositivo. Los artistas que acceden al pago, normalmente se ocultan bajo la idea de que exponer la obra pagando es lo mejor que pueden hacer, ya que es complicado encontrar espacios que acepten artistas jóvenes de forma gratuita. Sin embargo, ahí detrás se oculta un velo vanidoso: quiero ser artista a toda costa, aunque tenga que pagar para serlo.
Pero también he de reconocer la valentía de esas personas auto-patrocinadas, porque ya sea pagando o cobrando, abren una fisura en el concepto “dependencia” hacia la institución para que un creador sea exhibido, así como en eliminar la necesidad del curador para construir una “buena” lectura de las pieza.
Los artistas que por varias razones (quiero pensar que normalmente son éticas, y no por la tipología de público que visita estos espacios auto-patrocinados), desean exponer en otros lugares gratuitos o subvencionados con dinero público, intentan acceder a los espacios de exhibición mediante el formato de la convocatoria. Como ya he dicho, el jurado legitimador (y a menudo todopoderoso), pertenece a una generación anterior, y son los que deciden cual es el proyecto u obra que es digna de exponerse. La elección no debe ser fácil, muchos artistas pretenden empezar a existir como tales mediante los Centros Cívicos, y si observamos en un gráfico el índice de participación a las convocatorias de los Centros mas populares en Barcelona (Can Felipa, Sant Andreu y Sala d’art Jove), desde el año 2006, han aumentado considerablemente. ¿A que se debe este fenómeno si estos Centros parecen ser un American Idol en versión artística?. Y cuando me refiero a que estos concursos y exposiciones de amateurs (paradoja por donde se vea, ya que amateur significa “hacer algo porque se ama”, o sea, sin esperar nada a cambio), me refiero a obras que en muchos sentidos son cuestionables. Pero aquí hay varios temas que se fusionan.
El primero es el de la inmodestia por parte de los artistas en dejarse ver en un Centro público muy popular entre la gente joven. Inmodestia porque el Centro no es mas que un escaparate, no patrocina a nadie, simplemente les da visibilidad durante un tiempo. No les mueve la obra a otros espacios, solo “usan” al artista para rellenar su agenda cultural. ¿Entonces, porque tanta gente participa en estas convocatorias si no hay nada a cambio?. Algún erudito diría que desde hace un par de años se paga a los artistas por mostrar su trabajo, y aunque sea poco, algo es algo. Sin embargo, la cuestión de presentarse a una convocatoria de un Centro cívico se acerca mas a una cuestión social que a una cuestión económica. Si lo miramos desde el prisma del dinero, una persona que, por ejemplo, hace de camarero el fin de semana, gana 3 veces mas dinero en un día que un artista. Por tanto el tema no es meramente mercantil, la exposición en un centro de reconocimiento popular se acerca mas a una ilusión de ser artista famoso, que al de ganar dinero con el trabajo de artista.
El segundo tema va anclado a la reacción posterior en ver a los espectadores mirar un trabajo. Lo gratificante y reconfortante de ver a alguien que se interesa por lo que haces, parece ser la llamada de la codicia a continuar realizando un trabajo que seguirá presentándose a otras convocatorias de la misma “calaña”. El artista David Hammons lo expresó muy bien con estas palabras: “En esta situación lo que ocurre es que te tienta el diablo. Te enseñan todo lo que podrías tener. Lo único que hay que hacer es entregar tu alma. Yo me encontré sumido en esa agonía”. La frase de Hammonds describe perfectamente que es lo que quiero explicar. Llevado al terreno popular del éxito localista de Barcelona, un artista exhibiendo su obra en cualquiera de los tres Centros mencionados, será el chico o chica mas popular de la fiesta. Después se irá de cañas a un bar de carajilleros con otros artistas y comisarios, y empezará a sentirse popular, y con esta sensación tan reconfortante se creerá mas que nunca su trabajo. El artista emergente sigue en un áurea post adolescente que no debemos olvidar.
El tercer tema va unido al fenómeno de la popularización y estandarización del arte por una generación que tiene mal asumido el carácter juicioso de la creación. Podría poner muchos ejemplos, pero que vale la pena, porque día tras día podemos observar desde la crítica prudente, muchas obras y actitudes de artistas que verifican esta afirmación. Cuando en una clase de licenciados en Bellas artes realizando un master, ves que un proyecto sale de una noche en un bar, que un alumno intenta venderte un trabajo ya realizado que ni siquiera puede explicar, cuando ves trabajos que se saben que han sido bien asumidos por la comunidad artística y que alguien rehacer el resultado final con la expectativa de que va a ser asumido de la misma manera, o que alguien intenta hacernos creer que un folio lleno de rallas ha sido cautamente rellenado durante una jornada laboral, intuyes que algo va mal…
¿Esta en buena salud nuestro arte emergente?
Mi respuesta es NO, y con mayúsculas.
¿Entonces a que se debe la proliferación de artistas en las convocatorias de carácter público en solo tres Centros de la ciudad condal? Fama, glamour y satisfacción personal. Solo eso.
No olvidemos que el formato de American Idol ha calado muy fuerte en nuestras generaciones de jóvenes que aspiran a una gloria para obtener una autosatisfacción personal importante. Si con la postmodernidad hemos entendido que el mundo está lleno de baches que hemos de esquivar, si hemos asumido que siempre nos pondrán palos en las ruedas, pero que nosotros florecemos tarde o temprano. Cuando un concurso de arte emergente se transforma en una gala de los Óscar ¿que esperamos?. Este es el precio que estamos pagando por haber llegado a una información que ha sido filtrada y que solo hemos retenido la última idea. Hemos entendido que Hirst ha llegado alto, pero parece ser que no hemos entendido porque. Todo artista joven de la generación de los 80’ ha entendido el sistema actual de como triunfar: publicidad, marketing, actitud, una obra ingeniosa y muchas teleseries nos han dado las pistas. Solo hemos de trasladarlo a nuestra vida, y ya podemos empezar a presentarnos a las convocatorias para creernos nuestra obra y existir como artistas a través de ella.
Daniel Gasol
publicado pro salonKritik
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martes, 11 de mayo de 2010
Esteban Piedra Leon ( Estudios 2002-2010)
Expone en el MUSEO DE ARTE Y DISEÑO CONTEMPORANEO DE SAN JOSE - COSTA RICA
Del 25 de Mayo al 13 de Julio del 2010
A través de un recorrido por algunas de las principales obras del artista, es posible encontrar temas que son recurrentes, elementos fundacionales para el desarrollo de inquietudes y cuestionamientos. La construcción-destrucción continua, el paisaje, los diagramas, los insectos, lo habitacional.
El discurso planteado entre las obras, permite constatar la presencia de una metáfora ineludible, el ciclo temporal de la vida-muerte, esa lucha constante entre lo permanente y lo efímero. La casa, los planos, las estructuras, áreas de protección física y emocional, se nos presentan como espacios de control y de resistencia, en donde es inminente la vulnerabilidad a lo inevitable.
Tres temáticas, según la distribución de salas, se plantean a manera de recorrido por casi la totalidad de la producción artística de Piedra:
I. Arquitectura para un cuerpo baldío
La arquitectura, la casa, los mapas, el desorden … elementos planteados en diálogo constante como una declaración de principios, como ejes de investigación. Proyecciones arquitectónicas que se prolongan a la fisionomía animal, al cuerpo como edificio-naturaleza, el cuerpo baldío. Pensar en la memoria como una constatación de existencia, trazar ejes en medio de un paisaje en construcción, un mapa inacabado…
II. Delimitar, inmovilizar, ahuecar
Se parte de una reflexión sobre el manejo del espacio en relación al ejercicio del poder. La fragmentación de una totalidad que presenta patrones de dominación, regulación, protección-encierro y explotación. Se hace evidente la anulación de la individualidad y la deformación o ruptura de los procesos de socialización. Paralelos indiscutibles entre la manipulación animal y los mecanismos de control social.
III. No. Nadie del otro tampoco
La casa, ese espacio habitacional que se deconstruye como metáfora de lo humano. Ese espacio privado y cotidiano en donde el ordenamiento, la funcionalidad y la rutina, permiten sostener un sistema, estabilizar una estructura. Lugar donde se evidencian procesos vitales de construcción-destrucción, lugar donde la erosión, la acumulación, el uso y el desgaste, posibilitan la pérdida de las propias estructuras de protección. En este recorrido, elementos como la casa, exteriorizada como dos casas distintas, la superficial y la que está detrás de las paredes, nos deja claro la presencia contante del otro, del agente que desestabiliza, que nos echa en cara la derrota. Ese cambio como pérdida, como fragilidad y así mismo, la incapacidad de perpetuar un espacio, un orden. A la vez, el gráfico como esquema de elementos controlados, como presencia de una racionalidad que pretende ejercer algún tipo de vigilancia, de sistematización. El espacio planteado por un lado como alusión a los mecanismos de control y paralelamente como un trazado, un mapa, un autorretrato como plano arquitectónico. Todos estos, unidades que construyen un diálogo constante.
A partir de metáfora del desgaste, Esteban Piedra nos presenta la fragilidad de las estructuras, la imposibilidad de dominación a pesar de los mecanismos de control y sistematización, asociados a un afán de estabilidad, efímera y quebradiza. Entonces viene el fracaso, el fracaso inminente en ese campo de batalla que es la casa misma, la estabilidad pedida. Esa lucha contante que es la que permite la reconstrucción, el impedimento de rendirse ante ese fracaso es la que hace posible perpetuar la vida.
INFORMACION COPIADA LITERALMENTE DE LA PAGINA DE MUSEO DE ARTE Y DISEÑO CONTEMPORANEO: http://www.madc.ac.cr/mambo452/index.php?option=com_content&task=view&id=573&Itemid=77
Del 25 de Mayo al 13 de Julio del 2010
A través de un recorrido por algunas de las principales obras del artista, es posible encontrar temas que son recurrentes, elementos fundacionales para el desarrollo de inquietudes y cuestionamientos. La construcción-destrucción continua, el paisaje, los diagramas, los insectos, lo habitacional.
El discurso planteado entre las obras, permite constatar la presencia de una metáfora ineludible, el ciclo temporal de la vida-muerte, esa lucha constante entre lo permanente y lo efímero. La casa, los planos, las estructuras, áreas de protección física y emocional, se nos presentan como espacios de control y de resistencia, en donde es inminente la vulnerabilidad a lo inevitable.
Tres temáticas, según la distribución de salas, se plantean a manera de recorrido por casi la totalidad de la producción artística de Piedra:
I. Arquitectura para un cuerpo baldío
La arquitectura, la casa, los mapas, el desorden … elementos planteados en diálogo constante como una declaración de principios, como ejes de investigación. Proyecciones arquitectónicas que se prolongan a la fisionomía animal, al cuerpo como edificio-naturaleza, el cuerpo baldío. Pensar en la memoria como una constatación de existencia, trazar ejes en medio de un paisaje en construcción, un mapa inacabado…
II. Delimitar, inmovilizar, ahuecar
Se parte de una reflexión sobre el manejo del espacio en relación al ejercicio del poder. La fragmentación de una totalidad que presenta patrones de dominación, regulación, protección-encierro y explotación. Se hace evidente la anulación de la individualidad y la deformación o ruptura de los procesos de socialización. Paralelos indiscutibles entre la manipulación animal y los mecanismos de control social.
III. No. Nadie del otro tampoco
La casa, ese espacio habitacional que se deconstruye como metáfora de lo humano. Ese espacio privado y cotidiano en donde el ordenamiento, la funcionalidad y la rutina, permiten sostener un sistema, estabilizar una estructura. Lugar donde se evidencian procesos vitales de construcción-destrucción, lugar donde la erosión, la acumulación, el uso y el desgaste, posibilitan la pérdida de las propias estructuras de protección. En este recorrido, elementos como la casa, exteriorizada como dos casas distintas, la superficial y la que está detrás de las paredes, nos deja claro la presencia contante del otro, del agente que desestabiliza, que nos echa en cara la derrota. Ese cambio como pérdida, como fragilidad y así mismo, la incapacidad de perpetuar un espacio, un orden. A la vez, el gráfico como esquema de elementos controlados, como presencia de una racionalidad que pretende ejercer algún tipo de vigilancia, de sistematización. El espacio planteado por un lado como alusión a los mecanismos de control y paralelamente como un trazado, un mapa, un autorretrato como plano arquitectónico. Todos estos, unidades que construyen un diálogo constante.
A partir de metáfora del desgaste, Esteban Piedra nos presenta la fragilidad de las estructuras, la imposibilidad de dominación a pesar de los mecanismos de control y sistematización, asociados a un afán de estabilidad, efímera y quebradiza. Entonces viene el fracaso, el fracaso inminente en ese campo de batalla que es la casa misma, la estabilidad pedida. Esa lucha contante que es la que permite la reconstrucción, el impedimento de rendirse ante ese fracaso es la que hace posible perpetuar la vida.
INFORMACION COPIADA LITERALMENTE DE LA PAGINA DE MUSEO DE ARTE Y DISEÑO CONTEMPORANEO: http://www.madc.ac.cr/mambo452/index.php?option=com_content&task=view&id=573&Itemid=77
lunes, 10 de mayo de 2010
Isaac Martinez in Saemangeum Development Project
Information:
Title SAEMANGEUM FLAG FESTIVAL 2010
Date around Aprill 23th, 2010
Venue all over Saemangeum Seawall
Theme Rebirth for Life .
Saemangeum Development Project, as the one of the most important Korean National Project, is aimed to create 33km, the world longest seawall around the the Yellow Sea of Korea and create a zone for Green Growth and Eco-environment with the growth of economy, industry and tourism. The International SAEMANGEUM FLAG FESTIVAL 2010 will be a harmonious place of nature and art with breath of life.
PREMIO INTERNACIONAL DE ESCULTURA DE CAJA DE EXTREMADURA
Caja de Ahorros de Extremadura
Departamento de Obras Sociales y Culturales
Plazo presentación:
Del 6 de abril al 21 de mayo de 2010
concursointernacionaldeescultura@cajaextremadura.es
www.cajaextremadura.es
III PREMIO INTERNACIONAL DE ESCULTURA DE CAJA DE EXTREMADURA
1. Podrán participar en esta convocatoria todos los artistas mayores de 18 años independientemente de su nacionalidad o lugar de residencia.
2. El Premio Internacional de Escultura Caja de Extremadura está dotado con 18.000 euros. Sobre el importe del Premio se efectuará la retención fiscal que proceda. Además, la entidad organizadora destina un máximo de 70.000 euros para la realización de la obra premiada. Los artistas deberán tener en cuenta que esta cantidad abarca la realización de la obra definitiva (idea, desarrollo del proyecto, ejecución a escala real, transporte, materiales y colocación definitiva en el lugar asignado). Para hacer efectiva esta dotación se firmará un convenio privado con el ganador.
3. El tema, el estilo y la técnica de los proyectos presentados serán libres.
4. Cada artista podrá presentar un único proyecto de obra original del que deberá ser propietario. Es condición indispensable que la obra no haya sido premiada en ningún otro concurso.
La entidad organizadora no se hará responsable de ninguna reclamación relativa a los proyectos que se presenten por incurrir en plagio, copia o suplantación.
5. En la presentación de los proyectos los artistas incluirán obligatoriamente maquetas en el material resistente que considere el artista y siempre de la calidad necesaria para que la maqueta pueda ser expuesta públicamente y ser publicada en el catálogo oficial y sus medidas no serán superiores a 65 cms. ni inferiores a 15 cms., en cualquiera de sus dimensiones. Es recomendable que la maqueta esté realizada, si ello fuera posible, en el material que se haya proyectado para su realización a escala y formato definitivo.
Además, deberán completar la documentación sobre el proyecto con una memoria detallada de la obra (título de la obra, dimensiones, materiales, técnica de ejecución, planos, dibujos y fotografías); esta memoria podrá presentarse en soporte informático.
6. Los proyectos deberán ir acompañados de la siguiente documentación del artista:
- Nombre, apellidos, dirección postal, teléfono y correo electrónico.
- Fotocopia de la tarjeta de identificación nacional o pasaporte.
- Curriculum vitae artístico resumido.
- Indicación expresa del nombre artístico o seudónimo con el que el autor desea aparecer en cualquier información en prensa o en catálogo.
7. El plazo de admisión de las obras será del 6 de abril al 21 de mayo de 2010, en el Departamento de Obras Sociales de la Caja de Ahorros de Extremadura, c/ Alfonso VIII, 29; 10600 Plasencia (Cáceres) España, teléfonos (34) 927458110 y 927621761, concursointernacnionaldeescultura@cajaextremadura.es, en días laborables desde las 9 a las 14 horas.
Los proyectos podrán ser entregados personalmente o enviados por agencia de transporte. El envío por agencia será de puerta a puerta, por cuenta y riesgo del propietario, en embalaje reutilizable que asegure la integridad de la obra. Las obras entregadas de esta forma serán devueltas, por cuenta de su propietario, también por agencia en su embalaje reutilizable.
8. La organización pondrá el máximo celo en el cuidado de las obras recibidas, pero no responderá de las pérdidas, robos, roturas o desperfectos en la obra que pudieran derivarse del transporte o accidentes imprevisibles. El artista asume toda la responsabilidad ante el deterioro, fractura o destrucción de su obra, cuando el material utilizado y su ejecución no presenten consistencia y condiciones de seguridad para su traslado, manipulación e instalación.
9. El Jurado estará compuesto por personalidades de reconocido prestigio en el ámbito de las Bellas Artes en particular y del mundo de la cultura en general.
El propio Jurado podrá efectuar una selección de las maquetas presentadas a concurso para una exposición posterior.
El fallo del Jurado se dará a conocer en una ceremonia pública en un plazo no superior a 45 días a partir de la finalización de la recepción de las obras.
10. El Premio Internacional de Escultura Caja de Extremadura será indivisible y no podrá declararse desierto. Con la dotación del premio la Caja de Ahorros de Extremadura obtiene la propiedad de la obra galardonada y el derecho a reproducirla libremente por un plazo de tiempo ilimitado, ajustándose a lo establecido en el R. D. 1/1996 de 12 de abril. El artista premiado deberá estar presente en la entrega del premio.
11. La escultura final será fiel reflejo del proyecto presentado, salvo las variantes convenidas por ambas partes después de estudiar la localización y emplazamiento. La escultura deberá tener, en su terminación final, resistencia suficiente y perdurabilidad, para su exposición continua al aire libre. La organización se reserva el derecho de seleccionar la fundición que llevará a cabo el trabajo.
12. El emplazamiento de la obra premiada, en el lugar seleccionado, se realizará en el plazo máximo de un año y se llevará a cabo en un acto inaugural público con presencia del autor. El artista, cuya obra haya resultado premiada, deberá participar en el proceso de instalación dando las instrucciones oportunas para su correcto montaje.
13. Los proyectos, excepto el premiado y los seleccionados incursos en alguna exposición, serán retirados por sus propietarios o personas autorizadas, del 1 al 30 de julio de 2010, entre las 10 y las 13 horas de los en días laborables.
Para la retirada de las obras el propietario, persona autorizada o agencia de transporte deberán comunicarlo a la organización con al menos veinticuatro horas de antelación.
Si la obra se retira a través de agencia de transporte los interesados deberán autorizar la retirada a la agencia elegida.
14. El Fallo del Jurado será inapelable y el mero hecho de participar en el concurso supone la aceptación de las bases en su literalidad y su espíritu.
Plasencia, marzo de 2010
La Caja de Extremadura le informa de que sus datos personales serán incorporados a ficheros automáticos propiedad de la misma. El solicitante autoriza expresamente a que éstos sean tratados con el fin de atender la presente solicitud, así como para mantenerle informado sobre actos, conferencias y publicaciones que puedan ser de su interés. El tratamiento de los datos se realizará por la Caja de Extremadura con la necesaria discreción y no será cedido a ninguna otra entidad. Usted podrá ejercer los derechos de acceso, rectificación, cancelación y oposición de sus datos personales dirigiendo una carta certificada a Caja de Extremadura, c/ Alfonso VIII, 29; 10600 Plasencia. Todo ello, de conformidad con la legislación vigente en materia de protección de datos de carácter personal.
MADRIDFOTO 2010 "FERIA INTERNACIONAL DE FOTOGRAFÍA"
LUGAR: Palacio de Deportes Comunidad de Madrid
FECHAS: 12 -16 de mayo
ORGANIZA: Art Fairs
www.madridfoto.es
Tras la excelente acogida de la primera edición de MADRIDFOTO, inaugurada el mes de mayo del pasado año, Art Fairs presenta la segunda edición de esta feria internacional de fotografía contemporánea que se celebrará en una nueva ubicación en el centro de Madrid: el Palacio de Deportes. Entre el 12 y el 16 de mayo más de cincuenta galerías de diferentes ámbitos geográficos exhibirán trabajos seleccionados para la feria. Asimismo revistas y editoriales de fotografía completarán una oferta de casi trescientos cincuenta artistas destinada a coleccionistas nacionales e internacionales, corporativos e institucionales que se acercarán para conocer las últimas tendencias de la fotografía y el vídeo contemporáneo. La feria extiende su duración -a petición de los expositores- un día más para poder atender al público general y especializado. A este último se le vuelve a reservar la jornada inaugural del miércoles 12 de mayo y la mañana del 13 de mayo.
MADRIDFOTO contará con veinticinco expositores extranjeros, entre los que cabe destacar cuatro importantes galerías neoyorquinas (Kris Graves Projects, Alan Klotz Gallery, Aperture Gallery y Laurence Miller Gallery) que acercarán a Madrid lo más significativo de la fotografía clásica y contemporánea internacional. En el terreno nacional, además de veintidós galerías madrileñas, MADRIDFOTO ha convocado a veinte galerías del resto de España para de este modo tener una visión de conjunto de la creación fotográfica. Con estos porcentajes de presencia foránea, se asegura la variedad y notoriedad de artistas internacionales, así como con la selección de fotógrafos extranjeros representados por galerías nacionales.
Para completar la oferta de MADRIDFOTO, la feria acogerá revistas y editores especializados en fotografía contemporánea. Publicaciones como Photograph Magazine de Nueva York (EEUU), Silvershots de Queensland (Australia) o la revista Eyemazing publicada en Amsterdam (Holanda) aportarán nuevos contenidos a esta edición de la feria. Otras revistas españolas como EXIT, Artecontexto o Grabado y Edición están preparando proyectos especiales, que junto con la oferta de la librería especializada (La Central) aseguran la posibilidad de compra para todas las economías.
Dinamizar el mercado de la fotografía es uno de los objetivos de MADRIDFOTO y para ello emprende acciones de cara al coleccionismo privado, institucional y corporativo. Para los coleccionistas privados la feria prepara un interesante programa destinado a traer a Madrid a los principales compradores de arte. Entre las instituciones y empresas que han elegido MADRIDFOTO para sus actividades están la Comunidad de Madrid, que otorgará el Premio Comunidad de Madrid-MADRIDFOTO a un valor emergente, Acciona que volverá a premiar la obra relacionada con la sostenibilidad y el Ayuntamiento de Alcobendas que mostrará su colección al público de MADRIDFOTO. Asimismo Bodegas Chivite, Esfera del Arte y otras empresas privadas han manifestado su interés por las obras que serán expuestas en la feria. La colección Fundación Coca-Cola estará expuesta en la zona VIP de MADRIDFOTO 2010.
Para potenciar el diálogo entre el público y los autores, MADRIDFOTO vuelve a convocar a la feria a una serie de fotógrafos para que presenten sus catálogos y publicaciones más recientes. Durante los cinco días de feria los siguientes autores firmarán ejemplares de sus libros al público de Madrid: Javier Arcenillas, Manel Armengol, Jessica Backhaus, José Ramón Bas, Luis Baylon, Antoine D‘Agata, Sebastian Denz, José María Díaz Maroto, Virgilio Ferreiras, Andreas Lang, César Lucas, Mary Ellen Mark, José Antonio Martínez, Ramón Masats, Rebeca Menéndez, Cristina de Middel, Rafael Navarro, Esteban Pastorino, Robert Richfield, Silke Lauffs y Jordi Socias, entre otros.
Entre las novedades de esta edición de la feria está el formato del catálogo, organizado por artistas en vez de por galerías. De este modo se convierte en un interesante anuario de los fotógrafos que, en sucesivas ediciones, van a ir exponiendo en MADRIDFOTO.
GALERÍAS_3 Punts Galeria. Barcelona, España/ Alan Klotz Gallery. Nueva York, EEUU/ Ana Vilaseco. La Coruña, España/ Aperture Gallery. Nueva York, EEUU/ ARANAPOVEDA-Proyecto Arte Galería. Madrid, España/ Blanca Berlín Galería. Madrid. España/ Carlos Carvalho Arte Contemporánea. Lisboa, Portugal/ Casado Santapau. Madrid, España/Distrito 4. Madrid, España/ Ego Gallery. Barcelona, España/ Estiarte. Madrid, España/ Fernando Pradilla. Madrid, España/ Filomena Soares. Lisboa, Portugal/ Formato Cómodo. Madrid, España/ Fúcares. Almagro, Madrid, España/ Galería Carles Taché. Barcelona, España/ Galería Hartmann. Barcelona, España/ Galería María Llanos. Cáceres, España/ Galería Paz y Comedias. Valencia, España/ Galería Tagomago. Barcelona, España/ Galeria Valid Foto BCN. Barcelona, España/ Galerie Clairefontaine. Luxemburgo, Luxemburgo/ Galerie VU. París, Francia/ Gao Magee Gallery. Madrid, España/ Guidi & Schoen. Génova, Italia/ Horrach Moya. Palma de Mallorca, España/ Inés Barrenechea. Madrid, España/ Iris Editions, Londres, Reino Unido/ Isabel Hurley. Málaga, España/ Kris Graves Projects. Brooklyn (Nueva York), EEUU/ La Caja Negra. Madrid, España/ La Fábrica. Madrid, España/ Laurence Miller Gallery. Nueva York, EEUU/ Loris. Berlín, Alemania/ Luis Adelantado. Valencia, España/ Magda Bellotti. Madrid, España/ Max Estrella. Madrid, España/ Michel Soskine Inc. Madrid, España. Nueva York, EEUU/ Mirta Demare. Rotterdam, Holanda/ Modulo - Centro Difusor de Arte. Lisboa, Portugal/ Moisés Pérez de Albéniz. Pamplona, España/ Moriarty. Madrid, España/ My Name's Lolita Art. Madrid, Valencia, España/ N2 Galeria. Barcelona, España/ Nicholas Metivier Gallery. Toronto, Canadá/ Nuble. Santander, España/ Patricia Conde. EDO México, México/ Pedro Cera. Lisboa, Portugal/ Peter Lav Gallery. Copenhague, Dinamarca/ Portuondo. Madrid, España/ Rita Castellote. Madrid, España/ Robert Morat. Hamburgo, Alemania/ Sicart. Vilafranca del Penedès, España/ Spectrum Sotos. Zaragoza, España/ Tatiana Kourochkina Galeria d'Art. Barcelona, España/ Vanguardia. Bilbao, España/ Vértice. Oviedo, España/ White Space Gallery. Londres, Reino Unido. EDITORIALES_B&H Foto/ Colección el Ojo Que Ves. Córdoba, España/ Grupo el Duende. Madrid, España/ EXIT Publicaciones. Madrid, España/ La Fábrica.Madrid, España/ La Oficina. Madrid, España. REVISTAS_10x15 Fanzine. Madrid, España/ Artecontexto. Madrid, España/ Eyemazing. Ámsterdam, Holanda/ Focus Magazine, Nueva York, EEUU/ Grabado y Edición. Madrid, España/ Hotshoe. Londres, Reino Unido/ Photograph Magazine. Nueva York, EEUU/ Variatio, London, United Kingdom.
FECHAS Y HORARIOS:
Miércoles 12 - 14:00-21:00*
Jueves 13 - 12:00-15:00*
Jueves 13 - 15:00-21:00
Viernes 14 - 12:00-21:00
Sábado 15 - 12:00-21:00
Domingo 16 - 11:00-20:00
* Jornada de Profesionales Previa invitación de MADRIDFOTO
ENTRADA:
15 € en taquilla
13 € venta anticipada a través de entradas.com
11 € estudiantes, desempleados y mayores de 65 años
Para más información:
www.madridfoto.es
info@madridfoto.es
Forma parte de esta bella iniciativa "RescatARTE"
Si deseas participar
1- Pinta una sombrilla preferiblemente con alguna temática ambiental y si ya tienes tu sombrilla con la que participaste en el Concasida también puedes participar
2- Debes estar dispuesto a donar tu sombrilla para que los fondos recaudados se entreguen a la Asociación Terra Nostra para la limpieza del Río Virilla y afluentes.
3- Las sombrillas deberán ser entregadas el día lunes 24 de mayo en el Taller del Artista ubicado 250 metros oeste del cementerio de Tres Ríos, Cartago de 3:00 p.m a 6:00 p.m
4- Cada obra debe venir con su ficha técnica ( Nombre del autor o autora, Titulo, técnica. )
5- La organización se reserva el derecho de negociar el precio de las obras.
6- Cada artista podrá disfrutar del vernisagge de manera gratuita. Para aquellos que deseen invitar a otras personas se estarán vendiendo entradas al evento por un valor de C 10.000 los cuales también servirán para apoyar la causa, además también incluye una bebida y degustación de tapas
7- Debes saber que RescatARTE es una iniciativa sin fines de lucro
8- La inauguración será el día Jueves 27 de mayo del presente año en el Taller del Artista a las 7:00 p.m
9- La exposición permanecerá hasta el día 27 de junio.
10- Teléfonos de contacto:
Taller del Artista con Cali Rivera: 8348 3785
Lilibeth Martínez H: 2225-5549
Vanesa Vaglio: 2223 7070
Terra Nostra: 2228 4317
COLOBORADORES
RADIO 911
JIMENEZ Y TANZI
Sabias que
-En Costa Rica se generan 11 000 toneladas de residuos diarios
-Cada persona produce más de 1 kg de residuos por día.
-El 30% de los residuos queda en calles, lotes y sitios públicos y son arrastrados por las lluvias a los ríos y al océano
-El manejo inadecuado de los residuos es uno de los principales problemas ambientales que enfrenta al país
-Nos afecta a nuestra salud, la salud del ambiente y la belleza de nuestro país.
- Una manera muy efectiva de contribuir y sensibilizar a la población son las jornadas de limpieza, de playas y comunidades a lo largo y ancho del país.
-La asociación Terra Nostra lleva a cabo estas jornadas desde hace 5 años
-Participando en esta Expo estas contribuyendo a la causa de la limpieza del río de la manera mas solidaria que podemos hacerlo los artistas.
1- Pinta una sombrilla preferiblemente con alguna temática ambiental y si ya tienes tu sombrilla con la que participaste en el Concasida también puedes participar
2- Debes estar dispuesto a donar tu sombrilla para que los fondos recaudados se entreguen a la Asociación Terra Nostra para la limpieza del Río Virilla y afluentes.
3- Las sombrillas deberán ser entregadas el día lunes 24 de mayo en el Taller del Artista ubicado 250 metros oeste del cementerio de Tres Ríos, Cartago de 3:00 p.m a 6:00 p.m
4- Cada obra debe venir con su ficha técnica ( Nombre del autor o autora, Titulo, técnica. )
5- La organización se reserva el derecho de negociar el precio de las obras.
6- Cada artista podrá disfrutar del vernisagge de manera gratuita. Para aquellos que deseen invitar a otras personas se estarán vendiendo entradas al evento por un valor de C 10.000 los cuales también servirán para apoyar la causa, además también incluye una bebida y degustación de tapas
7- Debes saber que RescatARTE es una iniciativa sin fines de lucro
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9- La exposición permanecerá hasta el día 27 de junio.
10- Teléfonos de contacto:
Taller del Artista con Cali Rivera: 8348 3785
Lilibeth Martínez H: 2225-5549
Vanesa Vaglio: 2223 7070
Terra Nostra: 2228 4317
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Sabias que
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-Cada persona produce más de 1 kg de residuos por día.
-El 30% de los residuos queda en calles, lotes y sitios públicos y son arrastrados por las lluvias a los ríos y al océano
-El manejo inadecuado de los residuos es uno de los principales problemas ambientales que enfrenta al país
-Nos afecta a nuestra salud, la salud del ambiente y la belleza de nuestro país.
- Una manera muy efectiva de contribuir y sensibilizar a la población son las jornadas de limpieza, de playas y comunidades a lo largo y ancho del país.
-La asociación Terra Nostra lleva a cabo estas jornadas desde hace 5 años
-Participando en esta Expo estas contribuyendo a la causa de la limpieza del río de la manera mas solidaria que podemos hacerlo los artistas.
Convocatoria TACON 2010, talleres de arte contemporanéo.
El proyecto moviendo el mapa del Centro de Artes Visuales Contemporáneo CAVC/MUA y la Escuela Superior de Arte EspIRA La ESpora (Nicaragua)convocan a artistas contemporaneos emergentes en Honduras, a participar en el ciclo de Talleres de Arte Contemporáneo (TACON). Más información en http://www.muaartes.org.hn/nuevo/bol/tacon22.htm
Recepción de carpeta en la sede de MUA
Asociación Mujeres en las Artes Leticia de Oyuela MUA
BArrio La Plazuela, Ave. Cervantes Casa N. 1331
T. (504) 222.3015
E. info@muaartes.org.hna
Recepción de carpeta en la sede de MUA
Asociación Mujeres en las Artes Leticia de Oyuela MUA
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